朱莉安娜·巴維克（Juliana Barwick）2013年的專輯《豬籠草》（Nepenthe）很像它的標題：一種療傷膏，一種抵禦外界不斷衝擊的軟緩衝。緩衝區的一部分是由物理空間創造的：巴維克在雷克雅夫的冬天錄製了這張專輯ík、 冰島，一個經常被引用的事實，給它的創世故事註入了一種神話色彩。在與世隔絕的空間裡創作的專輯往往帶有一種懷舊的藝術理念：藝術家需要進入一個純粹的空間來創作他們的藝術，在那裡“真實世界”不會介入(看：邦伊弗的愛瑪，永遠以前；佐拉·耶穌2014年的專輯《泰加》）

Nepenthe的後續作品《Will》（今天出版）重振了自我封閉作為藝術靈感的陳舊觀念。它不是在一個神祕的地方**的，而是在幾個地方。一份新聞稿稱，從“紐約州北部一座荒涼的房子到北卡羅來納州阿什維爾的穆格工廠，再到葡萄牙裡斯本”，這張專輯到處都有錄音

最少的管絃樂作品和無言的短語

空間的概念，而不僅僅是物理位置，對巴維克來說一直很重要。她的音樂，最少的管絃樂作品和無言的短語，透過各種效果迴圈和過濾，具有冥想的性質。圍繞她的音樂的大部分討論都集中在聽者迷失在音樂中的能力上——尼彭是“超凡脫俗的”、“不受控制的”和“聽覺上相當於飛機穿越雲層。”這對威爾來說也是如此——有時，它是失重的和蜿蜒的——但威爾更感興趣的是一種身體上的，地球上的空間比巴維克過去的一些作品。這張專輯從頭到尾感覺就像一個獨立的現實世界——它更像是教堂而不是天堂。威爾是一張很容易迷路的專輯，不是因為它缺少一個中心，而是因為它對與外界共享空間不感興趣。甚至這張專輯的歌名，如“Wist”、“Same”和“Nebula”，都很小，不引人註目。

威爾以《聖阿波羅尼亞》開場，這首歌聽起來像是一首開場白，與專輯的其他部分不同。雖然威爾的大部分作品都依賴於最低限度的人聲和環境效果，但《聖阿波羅尼亞》聽起來像是一首贊美詩：巴維克的聲音在有風的背景噪音中迴圈，然後琴絃就扎堆了起來，像是一個精神的宴會。從那以後，這張專輯發展得很快，因為它傾向於讓聽眾進入催眠狀態。”“星雲”的特徵是在呼吸的和聲下有一個仔細跳動的**“海灘”是絲綢和無邊，不比一個多雲鋼琴。威爾不是那種能吸引你的專輯，這也不是壞事；歌曲進來又溜出去，沒有什麼大張旗鼓的，就像一個冥想的聖歌，只是為了減輕一個時刻的重量。

由於這種流動性，意志很難在音樂上加以語境化。它聽起來並不完全流行（沒有大鉤，或節拍，或迪斯科的影響），但在過去聽起來也不舒服。巴威克可能與石斑魚（gropper）等藝術家（2014年的專輯《廢墟》是一組小噪音）或菲利普•格拉斯（Philip Glass）等作曲家處於同一個平面上。像“回家”和“某處”這樣的歌曲搭配聽起來像是交響樂的一部分，隨著耐心的、迴響的動作滑進彼此。

威爾缺乏粘性的部分例子是她的合作者，通常很容易辨認，淡入專輯的背景。電子音樂家託馬斯·阿瑟諾特（Thomas Arsenault）和傑米·英格爾（Jamie Ingalls）都為唱片公司做出了貢獻。他們的影響在這裡是天衣無縫的；沒有辦法分辨出阿森諾特喜怒無常的琴鍵和英格爾的鼓聲。但他們微妙的存在只是進一步證明瞭巴維克的風格：她的音樂有一種覆蓋性的質量，完全吸收任何進入它的摺疊。

她的音樂有一種覆蓋性，完全吸收了任何進入它的摺疊

威爾正在進入一個音樂領域，人們談論最多的專輯往往是那些對聽眾產生影響的專輯，但巴維克不需要打破流媒體記錄，也不需要有一張大牌嘉賓名單。像德雷克的觀點和碧昂絲專輯é'蘋果的檸檬水將作為2016年春天的永久紀念品，但不會以同樣的方式停留在聽眾的集體記憶中。我們正處在夏天的風口浪尖上，白晝慢慢地變得越來越溫暖和潮濕，但10個月後，在不同的背景下聽起來會是一樣的。它滿足於永遠坐在自己的小世界裡，四處漂泊，融入任何適合它的背景。