“形式”一词在艺术中可以指几种不同的东西。形式是艺术的七大要素之一，它意味着空间中的三维物体。艺术作品的形式分析描述了艺术作品的元素和原则是如何独立于它们的意义以及它们可能在观众中唤起的感觉或想法而结合在一起的。最后，形式也用于描述艺术品的物理性质，如金属雕塑、油画等。​

在艺术形式中与“艺术”一词结合使用时，它也可以指被认为是艺术的艺术表达媒介，或者是一种非常好、巧妙或创造性地将其提升到艺术水平的非传统媒介。

艺术元素

形式是艺术的七大要素之一，是艺术家用来创作艺术作品的视觉工具。此外，为了形成，它们包括线条、形状、值、颜色、纹理和空间。作为一种艺术元素，形式意味着三维的东西，包括体积、长度、宽度和高度，而形状则是二维的或平面的。形状是三维的形状，和形状一样，可以是几何的，也可以是有机的。

几何形式是数学的、精确的、可以命名的形式，如基本几何形式：球体、立方体、棱锥体、圆锥体和圆柱体。在三维空间中，圆变成球体，正方形变成立方体，三角形变成金字塔或圆锥体。

几何形态最常见于建筑和建筑环境中，尽管你也可以在行星和泡泡的球体中以及雪花的结晶图案中找到它们。

有机形态是指自由流动、弯曲、强壮、不对称、不易测量或命名的形态。它们通常出现在自然界中，如花朵、树枝、树叶、水坑、云、动物、人物等，但也可以在西班牙建筑师安东尼·高迪（Antoni Gaudi，1852至1926年）大胆而奇特的建筑以及许多雕塑中找到。

雕塑形式

形式与雕塑关系最为密切，因为它是一种三维艺术，传统上几乎主要由形式构成，颜色和纹理是次要的。三维形式可以从多个侧面看到。传统上，人们可以从四面八方观看雕塑形式，称为圆形雕塑或浮雕，即雕塑元素保持与坚实背景相连的形式，包括浅浮雕、高浮雕和凹浮雕。历史上，雕塑是以某人的肖像制作的，以纪念英雄或上帝。

然而，二十世纪拓宽了雕塑的含义，预示着开放和封闭形式的概念，而这一含义在今天继续扩大。雕塑不再仅仅是具象的、静态的、文具式的，而是由石头或青铜雕刻而成的不透明实体。今天的雕塑可能是抽象的，由不同的物体组合而成，动态的，随时间变化的，或者由非传统材料制成，如光或全息图，如著名艺术家詹姆斯·特雷尔的作品。

雕塑可以相对而言被描述为封闭或开放的形式。一个封闭的形式有一个类似的感觉，传统形式的固体不透明的质量。即使表单中存在空间，它们也会被包含和限制。一个封闭的形式有一个向内的焦点，在形式本身，与周围的空间隔离。一个开放的形式是透明的，揭示了它的结构，因此与周围空间的关系更加流畅和动态。负空间是开放式雕塑的主要组成部分和激活力。巴勃罗·毕加索（1881年至1973年）、亚历山大·考尔德（1898年至1976年）和胡里奥·冈萨雷斯（1876年至1942年）是一些艺术家，他们用金属丝和其他材料制作了开放式雕塑。

亨利·摩尔（1898年至1986年），伟大的英国艺术家，与他的同龄人芭芭拉·赫普沃思（1903年至1975年）一起，是现代艺术中两位最重要的英国雕塑家，他们都是第一位突破其生物形态（生物=生命，形态=形式）雕塑形式的雕塑家，从而彻底改变了雕塑。她是在1931年这样做的，他也是在1932年这样做的，她指出“即使是空间也可以有形式”，“一个洞可以和一个实心物体一样有形状的意义。”

绘画形式

在绘画中，三维形式的幻觉是通过光线和阴影的运用，以及价值和色调的渲染来传达的。形状是由物体的外部轮廓定义的，这是我们第一次感知它并开始理解它的方式，但光、值和阴影有助于在空间中给出物体的形式和上下文，以便我们能够完全识别它。

例如，假设球体上有一个光源，高光是光源直接照射的地方；中间色调是光线不直接照射的球体上的中间值；核心阴影是球体上光线根本不照射的区域，是球体最暗的部分；投射阴影是物体阻挡光线的周围表面上的区域；反射高光是从周围对象和曲面反射回对象上的光。根据这些关于光线和阴影的指导原则，可以绘制或绘制任何简单的形状，以创建三维形式的错觉。

值的对比度越大，三维形状变得越明显。渲染值变化不大的形状看起来比渲染值变化和对比度较大的形状更平坦。

从历史上看，绘画已经从形式和空间的平面表现发展到形式和空间的三维表现，再到抽象。埃及的绘画是平面的，正面呈现人形，但头部和脚的轮廓。直到文艺复兴时期，随着透视法的发现，形式的现实幻觉才出现。卡拉瓦乔（Caravaggio，1571-1610）等巴洛克艺术家通过明暗对比（明暗对比）进一步探索了空间、光的本质以及空间的三维体验。人形的描绘变得更加生动，明暗对比和缩短使人形具有坚实感和重量感，并创造出强烈的戏剧感。现代主义使艺术家得以更抽象地运用形式。像毕加索这样的艺术家，由于立体主义的发明，打破了这种形式，在空间和时间中暗示着运动。

分析艺术品

在分析一件艺术作品时，形式分析与内容或背景分析是分开的。形式分析意味着运用艺术的元素和原理对作品进行视觉分析。形式分析可以揭示有助于强化内容、作品本质、意义和艺术家意图的构图决策，并提供历史背景线索。

例如，一些最经久不衰的文艺复兴杰作，如《蒙娜丽莎》（莱昂纳多·达芬奇，1517年）、《亚当的创造》（米开朗基罗，1512年）、《最后的晚餐》（莱昂纳多·达芬奇，1498年）所唤起的神秘感、敬畏感和超越感，与线条等正式构图元素和原则不同，颜色、空间、形状、对比度、强调度等，艺术家用来创作这幅画，这有助于它的意义、效果和永恒的品质。

资源和进一步阅读

• 表格，泰特博物馆，http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• 雕塑艺术，艺术百科全书，http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• 生命之洞，泰特博物馆，http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• 芭芭拉·赫沃斯vs亨利·摩尔，文化耳语，https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• 安东尼·高迪的作品，http://whc.unesco.org/en/list/320
• 亨利穆尔基金会https://www.henry-moore.org
• 芭芭拉·赫普沃思，https://barbarahepworth.org.uk
• 詹姆斯·特雷尔，http://jamesturrell.com

教师资源

• 艺术元素：形式，等级：3-4级，国家美术馆，https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• 艺术中的形状与形式：K-4年级教学计划，教师指南，http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf