自從8月達米安·查澤爾的《大地》在威尼斯電影節首映以來，它就一直被譽為今年奧斯卡獎一半的領跑者，特別是在音樂、視覺、表演和導演領域。紐約影評人圈和華盛頓影評人協會已經宣佈這部電影為年度最佳影片。直到12月9日，星期五才到達電影院。

查澤爾繼他的突破性電影《鞭打》（Whiplash）之後，又一次以音樂和表演為中心，但這是一部完全不同的電影。在Whiplash充滿侵略性、狂躁性和對抗性的地方，lalaland是一部毫不掩飾的甜美、憂鬱的復古音樂劇，在舞臺和基調上為20世紀50年代和60年代的好萊塢提供了頻道。艾瑪·斯通和瑞安·戈斯林飾演兩位試圖在洛杉磯成功的藝術家——她是一位女演員，他是一位爵士音樂家——在職業和個人方面迷失了方向。這是一部技術上令人眼花繚亂的電影，但它也給影迷們帶來了現成的安慰食品，充滿了好萊塢的老題材和米高梅大型經典音樂劇的活力。我最近和查澤爾談了為什麼這部電影很難拍，為什麼他準備讓人們把它拆開。

《拉蘭地》是一部大型奇觀片，它大量借鑒了電影史。但你也說過這是你的私人電影。怎麼會這樣？

我記得在放映這部電影之前很緊張，當時我們正在為威尼斯電影節做準備。在放映前我一直很緊張，但在某種程度上，我感到比以往任何時候都更明顯的緊張。我不知道是不是因為花了很長時間才把它弄下來，或者到底是什麼原因。但我對構成這部電影的很多東西都充滿**，無論是音樂劇還是電影中的想法，實現夢想的想法，無論它看起來是否會成功。我覺得我的心都快跳出來了。我覺得很暴露。但也許一部音樂劇總是暴露出來。沒有什麼能像音樂劇一樣失控。

當你試圖拼湊這麼多技術複雜的鏡頭，並經歷嚴格的排練日程時，你如何保持這些深刻的個人情感？

有一件事真的很有幫助，那就是音樂。很明顯，歌曲和某些旋律在拍攝前就已經寫好了，甚至在我寫劇本的時候，它也給了我一個配樂。這有助於我保持一定的情感基調或語域，並告訴我在電影的任何一個特定部分，我們需要在哪裡保持情感。當談到編輯的時候，[賈斯汀·赫維茨]作曲家在我身邊，在編輯的最後一年裡，在我們拍攝的時候，他也在我的編輯身邊，創作下劃線，為場景打分。所以從來沒有任何臨時分數。總是賈斯汀在現場做任何事。因此，它有助於保持連續性，從指令碼的早期階段，透過拍攝，一直到在編輯室。音樂是一種特殊的音調，一種特殊的語言，它幫助傳達了一切。只要你把賈斯汀的音樂放在下麵或上面，我們拍攝的任何影象都會感覺有點不同。所以這非常有用。

但正是這種挑戰，尤其是在剪輯過程的後期，當我們真的試圖駕馭電影的基調時。我們會嘗試丟失某些場景，或者新增其他場景，或者切換一些東西，所有你通常在編輯中會做的事情。有太多的移動的碎片，有時確實很難看到森林裡的樹木，並確保我們仍然在情感的波長上，我們需要的。在那樣的時候，我肯定非常依賴於放映這部電影，試著和人們一起看，透過他們的眼睛看。比如幫助我們重新定位自己，弄清楚，“好吧，這就是我們現在的位置，這是有效的，這是無效的”，然後繼續工作。

據我所知，你在2010年寫了劇本的初稿。那時你的原創歌曲已經準備好了嗎？

當我寫了一個基本的治療，我給了賈斯汀，他開始提出的想法，為主題的得分，這得到了整個電影的重播。一旦他意識到了這一點，我就開始自己寫劇本。我在寫劇本的時候，他在寫旋律。有時我們會來回傳送一些東西，或者我會給他一個場景，他會寫信給我。有時他會從乙醚中發出一段旋律，這會激發我的某些東西，我會試著圍繞這一點建立一個數字。這是我們之間，以及我的兩位製片人弗雷德·伯格和喬丹·霍洛維茨之間的一次反覆對話。我們四個基本上是乒乓球來回，因為我們開發的故事，指令碼，和音樂都在一次，在一對夫婦的過程中一起

頸部扭傷在技術上是嚴格的，但這仍然感覺像是複雜性的一個巨大的進步。你的**方法有什麼不同嗎？

是的，這很有趣，因為我們實際上有時間排練這件事，而不是用鞭打的方式。我們在這方面的準備時間要長得多，但與此同時，我們的準備工作要困難得多。有更多的移動元素。做一部音樂劇，尤其是原創音樂劇，有時確實會讓人覺得你想同時做三個專案。你在自己**電影，但你也在**專輯和編舞芭蕾舞。所有這些東西最終必須完全一致地存在於一起。

所以，即使我們做了三、四個月的準備，感覺就像每天，我們都在爭分奪秒，就像是在揮鞭一樣。我們試著解決每一個技術細節，因為我們知道我們需要在拍攝前把事情弄清楚。一旦我們在片場，就沒有餘地徹底改變事情，因為我們是在真實地點拍攝的。我們沒有很長的拍攝時間表。我們經常在一天**定的時間拍攝，日落，或某些白天，或魔術時間。因此，我們所能做的一切都有這些實際的侷限性，我們需要知道如何在這些侷限性內運作。謝天謝地，當我們開始拍攝的時候，我們差不多已經準備好迎接挑戰了。但準備的每一刻都是如此緊張的過程。任何一個部門的變化，無論是服裝還是劇本，或是編舞中剛剛出現的想法，都必然波及到其他所有部門。每個人都必須靈活。我們必須不斷地重新調整，同時努力不失去對我們要說的話的總體看法的控制。

什麼比你想象的更具挑戰性？

在預科課程中，最令我震驚的是——我理論上知道，但沒有親自處理——一種觀念，即一切在多大程度上取決於其他一切。這對我來說是如此重要，以至於螢幕上的每一件事最終都讓我覺得是命中註定的。**，音樂，表演，故事，我希望所有這些都感覺天衣無縫，就像一個持續不斷的陳述。但是當你在寫劇本的時候，和你的演員一起準備舞蹈的時候，這可能是非常有挑戰性的。然後一個你想利用的想法出現了，為了適應這個想法，這個改變需要一系列其他的改變。變化可以是任何東西——服裝設計師的變化，舞蹈的變化，當我和演員們交談時出現的變化，我們意識到，“哦，場景朝這個方向而不是朝這個方向發展更聰明。”在一部普通電影中，任何這類事情都不會有那麼多的影響。

同時，我也不想被直接套住。我不想讓任何一個演員覺得自己被夾在裡面。我不想讓任何一個部門覺得他們不得不妥協，因為每個人都必須獃在自己的位置上。我希望人們能夠建議修改，如果它似乎我們應該。因此，我有必要瞭解我希望流程如何執行，但這非常具有挑戰性。它確實感覺到了這種矛盾，試圖保持事物的鬆散、開放和自發的感覺，同時確保它們在技術上是超精確的，在我們拍攝之前，每個“t”都會被劃掉，“i”都會被點綴。

這部電影中的許多時刻都像是對其他音樂劇的特別引用。我覺得這是一個像西方世界一樣的專案，影迷們會想一次拆開一個鏡頭，尋找複活節彩蛋，為你們的敬意而爭吵。你支援那種看電影的方式嗎？還是用那種方式看這部電影？

我是說，是的，為什麼不呢？拍這部電影的樂趣之一是，我一生都是一個電影愛好者，但有些電影允許你沉迷於這種愛併為之慶祝，而其他電影則不然。在很多方面，這是一部關於電影的電影，也是一部關於藝術的電影。所以作為一個電影迷，音樂迷，洛杉磯的粉絲，這些東西的粉絲，我覺得我可以明確地慶祝這些東西，讓我個人喜歡的東西充斥在螢幕上。我想這就是為什麼這部電影讓我覺得很私人，甚至是私人的。有時我就像是在突襲我私人收藏的最愛的LPs。感覺很私人。但與此同時，我試圖找到一種方法，以新的方式將這些東西結合起來，更新或綜合它們，或顛覆它們，在它們覺得自己在說一種新的語言的地方做一些事情。他們覺得自己在說些新的東西。但沒錯，整部電影中肯定有複活節彩蛋，把它們放在裡面是**的一部分樂趣。

這些角色生活在一個沒有理由的反叛者存在的世界裡，當他們引用它的時候，他們會意識到。他們在跳舞的時候，或者他們的穿著和行為方式，有沒有意識到他們所指的好萊塢音樂劇？

瑞恩、艾瑪和我談了很多，從一般意義上講，這部電影的基調。但我們也把重點放在了人物身上，他們應該具備的遊戲性和自我意識。我們確實決定演奏一點，至少是潛臺詞，讓角色知道他們在音樂劇裡，並且對這個事實很好玩。我想確保明確的電影參考，像烘焙到對話中的東西，不會太多的音樂驅動，將被刪除一步。但歸根結底，這是一部關於一個角色想要出現在電影中的電影。他們在洛杉磯這座電影之都，他們正穿過攝影棚，周圍都是老電影的偶像。全都烤好了。所以我們確實討論過“角色在多大程度上意識到了這一點？”

我喜歡他們知道的想法。我們並沒有過分強調，但在角色中有一種遊戲的感覺，在整個電影中，關於在音樂劇裡，和在音樂劇裡玩比喻。推而廣之，當角色的情況開始惡化時，演員們想到的一個想法就是他們在某個時刻停止聽音樂。他們再也聽不到音樂了，於是，他們不再參加音樂劇了。所以試著找到那些音符，他們有多相愛，他們感覺自己在拍什麼樣的電影，這是我們在拍攝時談到的。

你認為這部電影更像是對當前好萊塢的反應，以及現在在那裡為事業而戰的感覺嗎？還是更像是寫給過去的情書？或者完全是別的什麼？

這很有趣，因為寫這篇文章絕對不會讓人覺得是什麼了不起的宣告。在很多情況下，這無疑是在寫與我自己非常接近的經歷：搬到洛杉磯，嘗試拍電影，更一般地說，嘗試成為一名藝術家，以及其中的起伏。有時候，孤獨會隨之而來，你必須平衡愛情和藝術，夢想和現實。對我來說，重要的是捕捉一些關於那段經歷或那些情緒的真相。

但同時，這也是現在好萊塢悖論的一部分。住在洛杉磯，你生活在一個充滿電影歷史的城市。無論你走到哪裡，都能看到這部輝煌的電影的迴音。在很多方面，也有一個行業似乎決心抹去過去，或者忽略過去，繼續前進。我腦子裡有一個版本的辯論，約翰傳奇和瑞安高斯林在電影中關於爵士樂。如果你把這一點應用到電影中，也會有同樣的想法——你是否會冒著被邊緣化的風險，試圖保留你對一種藝術形式過去的熱愛？或者你想把它推向未來，冒著讓它難堪的風險？這種平衡在哪裡？我認為這適用於任何一種藝術形式，但現在，電影似乎特別經歷了一點身份危機，夾在過去的電影應該是什麼的想法和新的前沿，在那裡看電影，大部分，不是在電影院。這對我們的藝術形式感有什麼影響？這是一個大的，漫無邊際的回答。但是這些想法充斥著我的腦海，所以我試著把它們寫在《拉蘭島》的某個地方。