比例和比例是描述一种元素相对于另一种元素的大小、位置或数量的艺术原则。它们与单个作品的整体和谐以及我们对艺术的感知有很大关系。

比例和尺度作为艺术作品中的一个基本要素，是相当复杂的。艺术家使用它们的方式也有很多种。

艺术中的比例与尺度

比例在艺术中用来描述一个物体相对于另一个物体的大小，每个物体通常被称为一个整体。比例有一个非常相似的定义，但往往是指一个整体中各部分的相对大小。在这种情况下，整体可以是一个单一的对象，比如一个人的脸，也可以是风景中的整个艺术品。

例如，如果你画的是一条狗和一个人的肖像，那么狗与人的比例应该正确。人的身体（也包括狗的身体）应该与我们所能识别的人的身体成比例。

从本质上讲，比例和比例有助于观众理解艺术品。如果某件事情看起来不对劲，那么它可能会令人不安，因为它不熟悉。然而，艺术家也可以利用这一优势。

有些艺术家故意扭曲比例，给作品某种感觉或传达某种信息。汉娜·霍奇（Hannah Höch）的摄影作品就是一个很好的例子。她的大部分作品都是对问题的评论，她公然用规模和比例来强调自己的观点。

也就是说，在比例执行不力和故意扭曲比例之间有一条细微的界限。

比例、规模和平衡

比例和比例有助于平衡一件艺术品。我们本能地有一种平衡感（这就是我们站直的方式），这也与我们的视觉体验有关。

平衡可以是对称的（正式平衡）或不对称的（非正式平衡），比例和尺度是我们对平衡感知的关键。

对称平衡排列对象或元素，使其重量均匀，例如鼻子位于眼睛中心。不对称平衡意味着物体被放置在一边或另一边。例如，在肖像画中，你可以画一个人稍微偏离中心，让他们朝中间看。这将使图形向侧面倾斜，并提供视觉效果。

比例与美

达芬奇的《维特鲁维亚人》（约1490年）是人体比例的完美例子。这是一幅熟悉的画，画的是一个人在一个圆圈内的矩形内。

达芬奇用这个数字来研究身体的比例。他的精确描述检验了当时人们认为完美的男性身体。我们在米开朗基罗的“大卫”雕像中也看到了这种完美。在这种情况下，艺术家使用古典希腊数学来塑造完美比例的身体。

随着时间的推移，人们对美丽比例的看法发生了变化。在文艺复兴时期，人类形象往往丰满健康（无论如何都不肥胖），尤其是女性，因为这意味着生育能力。随着时间的推移，“完美”人体的形状改变到了我们今天的程度，那时的时装模特非常瘦。在早期，这可能是疾病的征兆。

脸部比例是艺术家们关心的另一个问题。人们自然而然地被面部特征的对称性所吸引，因此艺术家倾向于与鼻子和适当大小的嘴相对应的完美间隔的眼睛。即使这些特征在现实中并不对称，艺术家也可以在一定程度上纠正这一点，同时保持人物的相似性。

艺术家们从一开始就通过适当比例面部的教程了解这一点。黄金比例等概念也指导我们对美的感知，以及元素的比例、比例和平衡如何使一个主题或整个作品更具吸引力。

然而，完美的比例并不是美的唯一来源。正如弗朗西斯·培根（Francis Bacon）所说，“没有一种优秀的美在比例上不具有某种奇异性。”

规模和前景

尺度也会影响我们对视角的感知。如果对象相对于视点正确地相互缩放，则绘画感觉是三维的。

例如，在风景中，远处的一座山和前景中的一棵树之间的比例应该反映出观看者的视角。事实上，这棵树没有山那么大，但因为它离观赏者更近，所以看起来要大得多。如果树和山是它们的真实尺寸，那么这幅画就会缺乏深度，这是构成伟大风景的一个因素。

艺术本身的规模

还有一些关于整个艺术品的规模（或大小）的说法。从这个意义上讲，当谈到尺度时，我们自然会以我们的身体作为参照点。

一件可以放在我们手中的物品，但包括精致、复杂的雕刻，其影响可能与一幅8英尺高的绘画一样大。我们的感知是由事物与我们相比的大小决定的。

出于这个原因，我们更倾向于惊叹于任何一种极端的作品。这也是为什么很多艺术品都在1到4英尺的范围内。这些尺寸对我们来说很舒适，既不会占据我们的空间，也不会迷失在其中。